Scenario Visivo: Simbolismo, messaggi oltre l’immagine

Il Decadentismo comincia a pervadere l’Europa a partire dalla seconda metà dell'Ottocento e dura fino agli inizi del Novecento. Si tratta di un movimento culturale, ma anche di un certo modo di sentire che attraversa la società. In sostanza esprime una certa stanchezza per la razionalità del positivismo scientifico e del naturalismo e vuole riscoprire una dimensione più intima, più libera, più spirituale e più emozionale. Il termine ha al principio una connotazione negativa: come abbiamo già detto, si definisce décadent l’atteggiamento nato dalla nuova generazione dei “poeti maledetti”, che danno scandalo incitando al rifiuto della morale borghese. Il tema della "decadenza sociale" e della crisi di valori, con forti risvolti esistenziali, viene provocatoriamente adottato nel 1883 proprio da quel gruppo di scrittori, che intitolano la loro rivista con il nome di Le Decadent, destinata ad affrontare i vari aspetti della crisi da un punto di vista provocatorio e rivoluzionario. Nello stesso anno, il poeta Paul Verlaine pubblica Poètes maudits, dedicato ai tre suoi amici Corbière, Mallarmé e Arthur Rimbaud, che da allora in poi diventano i "poeti maledetti". Quell’etichetta veste gli esponenti del decadentismo di una certa aura mitica, che continuerà nei loro epigoni. Col tempo, il termine decadentismo assume anche un significato positivo, inteso come nuovo modo di pensare, come diversità ed estraneità rispetto alla società contemporanea. Su queste idee “decadenti”, nel decennio 1866-1876, si impone in Francia il movimento artistico letterario e pittorico del Simbolismo. La poesia dei simbolisti è antirealistica, ha come riferimento un modello astratto di “compostezza classica” e aspira al recupero partecipato e vivo di modelli antichi. Per questi poeti e artisti l’arte deve isolarsi, non farsi contaminare dalle problematiche sociali. Tra tutti, svetta la figura di Charles Baudelaire (sull’importanza di Baudelaire Calasso ha scritto un bellissimo libro, La Folie Beaudelaire), se pure in una posizione del tutto autonoma. Ha uno stile sregolato e fuori dagli schemi, è poco interessato al giudizio della gente e persegue l’idea di una “poesia pura”, senza mediazioni, libera da ogni preoccupazione morale o educativa, nella quale la suggestione delle parole e dei simboli è alla base dell’ispirazione.
Il simbolo è qualcosa "che sta in luogo di”, ma è soprattutto un collegamento tra immagine e ideale, tra vita terrena e vita spirituale, tra realtà concreta e mondo interiore. E’ qualcosa di molto diverso dall’allegoria, che in confronto alle potenzialità semantiche del simbolo, resta una semplice figura retorica.
La simbolizzazione è una delle componenti fondamentali dell’animo umano che spesso traduce in immagini concetti e emozioni che le parole non bastano ad evocare con immediatezza. Il simbolo riesce ad esprimere contenuti complessi, universali, mitici, come sostiene anche la psicanalisi, che nasce proprio in questo periodo.
Il Simbolismo come corrente artistica si afferma in Francia a partire dal 1885 circa. Il 18 settembre 1886, il letterato Jean Moréas pubblica in una pagina di Le Figaro il Manifesto della poesia simbolista, indirizzato anche alla pittura ed alle altre forme d'arte. L’arte è intesa come espressione concreta e analogica dell’Idea, come momento di incontro e di fusione tra i sensi e lo spirito, includendo in questa idea di spirito anche il senso mistico. Si può parlare anche di religione, ma forse senza stabilire troppi confini tra le diverse confessioni: la religiosità dei simbolisti spazia dal panteismo al pagano ai valori cristiani.
La pittura che ne deriva è raffinata, ricca di sensibilità, di trascendenza, di mitologia. Vuole esplorare quelle suggestive regioni della coscienza umana che sono ai confini, vuole aprire una porta sullo spazio iper-sensibile dell’anima, tra realtà e sogno. Uno spazio fino ad oggi quasi inesplorato da qualsiasi indagine artistica, se si escludono certi dipinti di Gauguin e di ancora più Rousseau che possono essere considerati due precedenti dell’arte simbolista.
Abbiamo già visto qualcosa di Gauguin e Rousseau (vedi capitolo "Un peu plus loin..."); adesso, per introdurre meglio l'argomento, cominciamo con alcuni dipinti tra coloro che sono ritenuti gli altri precorritori, gli ispiratori, talvolta addirittura gli "iniziatori" di questo movimento. Il Simbolismo avrà manifestazoni molto diverse nelle diverse nazioni, e in genere si associa all'Art Nouveau, anche se per la verità la precede di poco e la permea dei suoi significati. Bisogna comunque sottolineare che il Simbolismo assume tra le manifestazioni più belle e significative in Austria e in Svizzera, (dove il Liberty si chiamerà Jugendstil), generando figure grandiose come quelle di Gustav Klimt o di Arnold Böcklin, e in Italia (dove si chiamerà Liberty) con la magistrale presenza di Gaetano Previati.

Pierre Puvis de Chavannes, Sulla riva del mare

Pierre Puvis de Chavannes, Le bois sacré (1884)

Pierre Puvis de Chavannes, L'été

Pierre Puvis de Chavannes, Le Pauvre Pêcheur (1881)

Odilon Redon, Mystery (1910)

Odilon Redon, La cellule d'or (1892)

Odilon Redon, Musa su Pegaso, (c.1900)

Odilon Redon, Ciclope, (1914)

Gustave Moreau, Orpheo (1865)

Gustave Moreau, Hésiode et la Muse (1891)

Gustave Moreau, Desdemona (1875)

Gustave Moreau, Oreste et les Erinyes (1891)

Gustave Moreau, Diomede divorato dai suoi cavalli (1865)

Pierre Bonnard, Le porte-fenêtre avec chien (1927)

Pierre Bonnard La Palme (1926)

Gustave Moreau (Parigi, 6 aprile 1826 – Parigi, 18 aprile 1898)
Pierre Puvis de Chavannes Pierre Puvis de Chavannes (Lione, 14 dicembre 1824 – Parigi, 24 ottobre 1898)

Odilon Redon (Bertrand-Jean Redon) (Bordeaux, 20 aprile 1840 – Parigi, 6 luglio 1916),
I suoi artisti preferiti (Francisco Goya, Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire) e le sue amicizie (Paul Gauguin, Stephane Mallarmé, André Gide) collocano Redon nell'ambito di quel simbolismo del qualeè precursore e uno dei più autentici rappresentanti in campo figurativo.

Félicien Joseph Victor Rops (Namur, 7 luglio 1833 – Essonnes, 23 agosto 1898)
Louis Anquetin (Étrépagny, 26 gennaio 1861 – Parigi, 19 agosto 1932)
Émile Bernard (Lilla, 28 aprile 1868 – Parigi, 16 aprile 1941)

Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, 3 ottobre 1867 – Le Cannet, 23 gennaio 1947)
E’ interessato al soprannaturale; le sue ricerche esoteriche lo allontanano dal realismo e dal naturalismo impressionista con cui ha iniziato e lo avvicinano ad una pittura simbolista, destando perfino l'ammirazione di Apollinaire. Per allontanarsi dalla sua formazione, mette in campo una pittura più meditata, ma con un uso più incisivo del colore. I suoi modelli stilistici sono le opere del periodo bretone di Gauguin e le stampe giapponesi, enfatiche e cariche di significati simbolici. Nel 1888 è tra i fondatori del gruppo dei Nabis (che vedremo prossimamente) e con i quali espone al Salon des Indépendants a partire dal 1891.

Eugène Carrière (Gournay-sur-Marne, 16 gennaio 1849 – Parigi, 27 marzo 1906)
Maurice Denis (Granville, 25 novembre 1870 – Saint-Germain-en-Laye, 13 novembre 1943)
Eugene Grasset (Losanna, 25 maggio 1841 – Sceaux, 23 ottobre 1917)
Maximilián Pirner (Schüttenhofen, 13 febbraio 1854 – Praga, 2 aprile 1924) pittore ceco
Henry Daras (Rochefort (Charente-Maritime) 9 dicembre 1850 - Angoulême 10 maggio 1928)

La scuola di Pont-Aven (1886-1894)

Buona parte dell'espressività del simbolismo è già presente nelle opere di Gauguin (di solito viene collocato negli Impressionisti, ma noi non lo abbiamo fatto), anche se Gauguin non può essere neanche definito realmente un simbolista perché il suo dipingere si origina da altre pulsioni e ha altri obiettivi, come il sogno del paradiso perduto che lo lega all'arte primitiva, alla sua lontananza fisica dall'epicentro culturale e allo studio dei colori ed alla loro resa. Un gruppo di pittori si riunisce intorno a Paul Gauguin a Pont-Aven in Bretagna. I principi fondamentali della loro pittura partono dal rifiuto della copia dal vero, esaltando la memoria e l’immaginazione. I pittori simbolisti intendono fissare sulla tela una nuova dimensione della realtà, più intima, effettuando una specie di doppia fuga: verso il passato, nei ricordi, e verso l’esotico, nella fantasia. Gauguin, che procede per i fatti suoi, con la sua forma personalissima di simbolismo, è disinteressato al dibattito estetico che si sviluppa intensamente sulle più importanti riviste francesi e negli scritti di filosofi e letterati. In realtà Moltialla scuola di Pont-Aven sono ancora legati ad una sorta di dipinto paesaggistico post-impressionista, ma in ognuno di loro è evidente lo sforzo per trovare nuovi moduli narrativi, capaci di ridefinire in modo ireeale ed enfatizzato la realtà.

Roderic O'Conor, The Glade (1892)

Roderic O'Conor, L'Approche de Lezaven, Pont Aven (1894)

Armand Seguin, Les paradis artificiels (1895)

Armand Séguin, Les Fleurs du mal (1892)

Emile Bernard, Après-midi à Saint-Briac (1887)

Charles Laval, La Barrière (c. 1889)

Charles Filiger, Le Jugement dernier (1891-1894)

Maxime Maufra, Vue du port de Pont Aven (1864)

Jacob Meyer de Haan, Nirvana (1890)

Paul Sérusier, Les Heures (1919)

Émile Bernard (Lilla, 28 aprile 1868 – Parigi, 16 aprile 1941)
Charles Laval (Parigi, 17 marzo 1862 – Il Cairo, 27 aprile 1894)
Henry Moret (Cherbourg, 12 dicembre 1856 – Parigi, 5 maggio 1913)
Maxime Maufra (Nantes, 17 maggio 1861 – Poncé-sur-le-Loir, 23 maggio 1918)
Paul Sérusier (Parigi, 9 novembre 1864 – Morlaix, 7 ottobre 1927)
Charles Filiger (Thann, 28 novembre 1863 – Plougastel, 11 gennaio 1928)
Jacob Meyer de Haan (Amsterdam, 14 aprile 1852 – Amsterdam, 25 ottobre 1895)
Armand Seguin (Parigi, 15 aprile 1869 – Châteauneuf-du-Faou, 30 dicembre 1903)
Ernest de Chamaillard (Gourlizon, 9 dicembre 1862 – Eaubonne, 30 settembre 1931)
Roderic O'Conor (irlandese, ma vive a Parigi) (Castelplunket, 17 ottobre 1860 - Nueil-sur-Layon,18 marzo 1940)

Austria

Gustav Klimt, Judith (1901)

Gustav Klimt, Hygieia. Detail aus der Medizin (1907)

Gustav Klimt, Bauerngarten mit Kruzifix (1912)

Gustav Klimt, Die Jungfrau (De maagd) (1912-13)

Gustav Klimt, Allee vor Schloss Kammer (1912)

Gustav Klimt, Mutter und Sohn (1905)

Gustav Klimt, Wasserschlangen (Serpente d'acqua) (1904)

Gustav Klimt (Vienna, 14 luglio 1862 – Vienna, 6 febbraio 1918)
è il maggiore esponente della Secessione viennese, la cui pittura, stilisticamente molto originale, si basa sempre su soggetti di tipo simbolico. E' diventato una delle superstar dell'arte. I suoi dipinti si trovano sulle magliette, i grembiuli da cucina e nei souvenir e nel tritatutto contemporaneo è diventato l'emblema della pittura in epoca Liberty. Ma Kimt è un raffinato simbolista, con uno stile decorativo unico e capace di mettere insieme un nuovo ideale di bellezza femminile (le donne esili ed eteriche della Belle Epoque) con le allegorie e le metafore che trasfigurano i corpi e le cose e le proiettano nella dimensione onirica dei simbolisti.

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Germania

FranzVonStuck, Lucifer (1890)

FranzVonStuck, La danza di Salomé (1906)

FranzVonStuck, Cenerentola (1899)

FranzVonStuck, Studio per La Primavera (c. 1900)

FranzVonStuck, Die Sünde (Il peccato) (c. 1900)

Franz von Stuck (Tettenweis, 23 febbraio 1863 – Monaco di Baviera, 30 agosto 1928)
pittore simbolista-espressionista, nonché scultore, illustratore e architetto tedesco.
Nel 1892 fonda insieme ad altri artisti il movimento modernista della secessione di Monaco, antesignano, assieme ad altre secessioni, dell'esperienza dell'Art Nouveau. E' un insegnante di Wassily Kandinsky e di Paul Klee.

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Belgio

James Ensor, The rower (1883)

Jean Delville, L'Ecole de Platon (1898)

Jean Delville, La Méduse (1893)

James Ensor (James Sidney Edouard, Barone di Ensor) (Ostenda, 13 aprile 1860 – Ostenda, 19 novembre 1949)

Naturalmente Ensor qui è solo agli inizi della sua carriera che lo porterà lontano, fino ad essere uno dei fondatori dell'Espressionismo (che vedremo più avanti)

Jean Delville (Louvain 19 gennaio 1867 – Forest (Bruxelles) 19 January 1953)
Fernand Khnopff (Fernand Edmond Jean Marie Khnopff) (Grembergen, presso Dendermonde, 12 settembre 1858 – Bruxelles, 12 novembre 1921)

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Svizzera

Arnold Böcklin, Die Heimkehr (Ritorno a casa) (1887)

Arnold Böcklin: Der Heilige Hain (Il bosco sacro) (1886)

Arnold Böcklin, Der Heilige Hain (Il bosco sacro) (1882)

Arnold Böcklin, Die Toteninsel (L'isola dei morti) prima versione (1880)

Arnold Böcklin, Die Toteninsel (L'isola dei morti) terza versione (1883)

Arnold Böcklin, Mondscheinlandschaft mit Ruine (1849)

Arnold Böcklin (Basilea, 16 ottobre 1827 – San Domenico di Fiesole, 16 gennaio 1901)
che colloca la sua pittura negli spazi tra realtà e sogno. E' un magnifico interprete di atmosfere irreali, ma rese così plausibili e percepibili da catapultarci in spazi senza tempo che aprono gli occhi dell'anima.

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Italia (vedi Divisionismo)

In Italia i temi simbolisti si esprimono di frequente con il linguaggio pittorico del Divisionismo (che vedremo tra brevissimo). I temi del simbolismo qui sembrano più inclini a un ideale sovramondano spesso colorato di valori cristiani. Tra tutti i mosi di "pescare nell'inconscio" messi in campo dal simbolismo, in Italia si sceglie la via più spirituale.

Giovanni Segantini, L’Amore alla fonte della vita, 1896

Aristide Sartorio, Le Vergini savie e le Vergini stolte (1890-91)

Aristide Sartorio, la Sirena, abisso verde (1900)

Sartorio ha fatto questo dipinto di ritorno da Londra, dopo aver visto una mostra dei Preraffaelliti

Aristide Sartorio, Il risveglio (1908)

Gaetano Previati, Madonna dei gigli (1894)

Gaetano Previati, Il sogno (1912)

Gaetano Previati, La danza delle ore (1899)

Gaetano Previati, I funerali di una vergine (1895)

Gaetano Previati, Maternità (1890-91)

Giorgio Kienerk, L’Enigma Umano (1900)

Gaetano Previati, Via al Calvario (1901-1904)

Gaetano Previati (Ferrara, 31 agosto 1852 – Lavagna, 21 giugno 1920)
Giulio Aristide Sartorio (Roma, 11 febbraio 1860 – Roma, 3 ottobre 1932)
Adolfo de Carolis (Montefiore dell'Aso, 6 gennaio 1874 – Roma, 7 febbraio 1928)
Giovanni Segantini (Arco, 15 gennaio 1858 – monte Schafberg, 28 settembre 1899)
Giorgio Kienerk (Firenze, 5 maggio 1869 – Fauglia, 15 febbraio 1948)

Inghilterra

In Inghilterra, come abbiamo visto, il Decadentismo è interpretato dai Preraffaelliti. Tracce di simbolismo sono nelle opere di Dante Gabriel Rossetti. Ma nel clima decadente di fine secolo, guidato dalla figura di Oscar Wilde, emerge in Inghilterra la figura di Aubrey Beardsley, bozzarro personaggio dalla vita particolare, illustratore, scrittore e pittore. Lavora in bianco e nero ed è influenzato dallo stile giapponese che è di moda. E' attratto dalla mitologia e dalla saga di Camelot a cui dedica una serie di famose illustrazioni, da cui vennero tratte delle litografie.